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lunes, 12 de septiembre de 2022

El Mussol Maltès de Jordi Valero


Este 7 de septiembre de 2022 se ha emitido el primer programa de El Mussol Maltès en Radio Sabadell 94.6 una emisora con 90 años de historia y que se reinventó hace 20.

El Mussol Maltès, cuyo título rinde merecido homenaje a la novela y la película El Halcón Maltès, es una desordenada colección de fascículos auditivos sobre el mundo Noir en todas sus manifestaciones: literatura, cine, comic, teatro, gastronomía, moda, etc. Todo mezclado pero no agitado.

Historia e historias del mundo noir narradas en forma de relato punteado por cortes musicales que comparten cuerpo argumental.

Es un programa breve, entre 27 y 29 minutos o sea que permite ser escuchado con tranquilidad mientras cada cual hace sus cosas: andar, pasear al perro, hacer deporte, viajar, cocinar, esperar la vez, planchar, regar las plantas, hacer el vermú…

Y es mensual, con lo que no hay agobios ni urgencias. Si un mes tiene 43.200 minutos, ¿a ver si no se pueden dedicar 27 o 28 de ellos a escucharlo?

Y se emite en Radio Sabadell 94.6, el primer miércoles de cada mes a las 20:30 y, también en redifusión y queda accesible en la pestaña de programas de su web para ser escuchado a conveniencia; y también está disponible en las mejores plataformas de podcast como Apple Podcast, Ivoox, Spotify y otras más.

Y gratis. Nadie da tanto por nada. Suscríbanse a su plataforma de podcast preferida y recibirán una notificación cada mes cuando haya uno nuevo; sin excusa para no perderse ninguno.

Espero que les sorprenda y guste por igual, escuchen el primer fascículo: El Mussol Maltès 01 – Negra i Criminal (I) y que ustedes lo maten bien.

En catalán (y también en plataformas podcast)

https://radiosabadell.fm/podcasts?field_programa=30376

En castellano, en varias plataformas de podcast como:

Spotify  https://open.spotify.com/show/6xK0qKoJrcYK8JcMivHdTt

Ivoxx https://www.ivoox.com/el-mussol-maltes_sb.html?sb=el+mussol+maltes


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domingo, 27 de febrero de 2022

Muerte en el Nilo de Kenneth Branagh

Muerte en el Nilo se convierte, por obra y arte del director y protagonista principal Kenneth Branagh, en Muerte en el Cine… de aburrimiento.

En una escena de la película, una de los protagonistas se dirige a Poirot calificándole de pomposo, engreído, petulante y vanidoso, entre otros elegantes adjetivos.

Lo suscribo y, como los Dupondt de Tintín, aún diría más: es la descripción perfecta de Kenneth Branagh en ese vano, insustancial y huérfano intento de remakear (no sé si existe el verbo pero se entiende) dos grandes films que sí intentaron, con más modestia, adaptar dos de las mejores novelas de Agatha Christie y que consiguieron aprobación unánime.

Las dos versiones de Kenneth Branagh, Asesinato en el Orient Express y Muerte en el Nilo, no son las peores adaptaciones que ha sufrido la obra de la autora inglesa, hay algunas de 10 negritos verdaderamente espeluznantes, pero no será por falta de méritos. Empeño lo han puesto.

Muerte en el Nilo en manos del director y actor británico es un títere sin cabeza. Unos personajes sin carisma ni protagonismo, es imposible hacerse con ellos; tienen poquísimos diálogos con sustancia y un papel casi irrelevante en la trama. Se diría que están porque a medida que avanza el metraje se les usa y deshecha a medida que son necesarios.

Poco mobiliario, poco vestuario; no hay ninguna comida, ni ninguna relación con el personal del barco que no tiene papel alguno (de repente aparecen en tropel para un registro), ni tan solo el capitán. No se siente el calor del lugar, ni la humedad del río, no hay tensión que cargue el ambiente y que dispare suspicacias y temores; y el barco parece de cartón piedra con las cubiertas vacías sin nada que demuestre que tenga un uso habitual.

Todo está tan exageradamente dramatizado, las posiciones de los protagonistas en cada toma, los gestos, las muecas de sorpresa y asombro, que estamos claramente ante papeles teatrales y no cinematográficos, salvo que fuera en la época del cine mudo.

Los paisajes, algo que debería arropar la trama, se reducen a imágenes tópicas que no le llegan a la suela del zapato de cualquier documental de la 2 y están a años luz de un reportaje del National Geographic.

El destrozo que sufre el argumento original, Disney productions fecit, y los innecesarios cambios en las localizaciones buscan desmarcarse de comparaciones con el film anterior y la novela original y lo logran por el lado contrario al deseado.

La explicación del bigote de Poirot resulta tan ridícula como el propio bigote de guías bicéfalas y su recién descubierta pasión por el soul es algo tan alejado de su personalidad como tener un cocodrilo en un gallinero esperando que enseñe a leer a los polluelos.

Kenneth Branagh como Poirot evoca el papel que mejor lo representa: el de Gilderoy Lockhart en Harry Potter y la Cámara Secreta.

Hay quien valora que se intente algo nuevo, creo que para ello lo mejor es crear y no adaptar. Claro que esto último es más fácil: no es necesario trabajar solo cambiar algo aquí y acullá sobre lo ya realizado. Versionar se le llama. Recrear.

Concluyendo, vayan a ver esta versión de Muerte en el Nilo solo si no han leído la novela homónima ni visto la versión cinematográfica protagonizada por Peter Ustinov; si no es el caso y aun así insisten, relájense y disfruten.

jueves, 19 de marzo de 2020

Los Intocables de Brian de Palma

Un film noir alejado de tópicos.

El film relata un hecho histórico como fue la investigación y cerco policial al gánster Al Capone en 1931 por parte del Agente del Tesoro Elliot Ness y su equipo, conocidos como Los Intocables por su rechazo al soborno, deporte que practicaban personas prominentes y poderes fácticos en el Chicago de aquella época.

Brian de Palma ejecuta con su habitual maestría, sus planos cenitales, sus travellings y su ritmo sincopado, alternado momentos de reflexión contemplativa con secuencias de acción rutilante, un guion, más que bien elaborado, de David Mamet.

El director se aleja de la tópica película de gánsteres para centrarse en el eje del bien y el mal encarnado por dos protagonistas fuertemente carismáticos y antagónicos.

La película se apoya en las relaciones humanas y en los sentimientos en las que se traducen. Renuncia a los tópicos que han sustentado el cine noir para darle su particular visión, haciendo hincapié en como el bien, reflejado en el cariñoso marido y padre, amigo y compañero, recto y legal puede vencer al mal, evidenciado por quien busca el reconocimiento y el respeto a través de una violencia descarnada y un absoluto desprecio hacia las vidas humanas de cualquier edad, sexo o condición y a su vez pretende divertir escondiendo el dolor igual que se emociona oyendo el payaso de la ópera Pagliacci.  

La película contiene arcos narrativos con largos planos secuencia que en sí mismos son pequeños cortometrajes por su cuidada elaboración, su tempo y su inicio-desarrollo-desenlace y que forman parte de la historia del cine como por ejemplo el tiroteo que transcurre en las escaleras de la Estación Central: siete minutos de thriller prácticamente a cámara lenta, casi sin diálogos y cuya banda sonora la constituyen al unísono el ruido de los disparos y la melodía Nana de la Metralleta que con su contrapunto infantil eleva el nivel de suspense hasta lo insospechado.

La escena, con marineros incluidos, es un reconocido homenaje al clásico El acorazado Potemkin y su secuencia de las escaleras de Odessa.

La celebración

Si el casting fue complicado, mucha más oferta que demanda, y visto el resultado muy bien elegido: Kevin Costner, Robert de Niro, Sean Connery, Andy García… la elección del compositor fue más sencilla: Ennio Morricone capaz de componer y dirigir una banda sonora capaz de resaltar las imágenes como si subieran de color al exigente ritmo del inherente cine de De Palma, que busca esos golpes de efecto como si de repente un millón de focos se encendiera de golpe y no para iluminar sino para exaltar.

Si la película es un retorno a la tragedia griega y a la épica de los vencedores, la música aparece siempre para resaltar la emoción de cada momento. Disfruten de sus imágenes, sus interpretaciones y su espectacular música.



Ultimate soundtrack suite

jueves, 21 de febrero de 2019

Polar de Víctor Santos

"Este camino no tiene arco iris"

Aquello que empezara siendo una web còmic gratis de actualización semanal, por allá 2012, poco más que para frikis, es hoy una película disponible, desde el pasado 25 de enero, en Netflix, después de despertar el interés de Dark Horse que la tituló Polar: came from the cold.

Polar es una suerte de spin off de Black Kaisser un cómic que solo vio salir a la luz un número cuando su protagonista aún podía dar mucho más de sí. Como ha sido el caso, primero en cómic y ahora en una película.

Bizarra, tarantiniana en mucho, deudora de James Bond (ese malo, malote), evocadora de súper-héroes, psicológica: el bueno es un malo, cine de Hong-Kong, cine negro francés con estética nouvelle vague, hay de todo pero muy bien conjuntado, porqué los orígenes siempre son mestizos.

Serie B, pero B en mayúsculas. No como demerito sino como marco en el que cabe todo y más, en el que la acción, el color, los diálogos no tienen que responder más que al nivel de creatividad de quien lo realiza. Los medios al servicio de la imaginación. PULP TOTAL.

Esta fiel adaptación del cómic Polar: surgido del frío de Víctor Santos la dirige Jonas Åkerlund y tiene a Mads Mikkelsen como protagonista absoluto y una breve pero decisiva intervención de Richard Dreyfuss, se nota que la apuesta por esta obra indie ha despertado interés. Y con razón.

El cómic de Víctor Santos
Polar, como se denomina en Francia al género negro, es un film noir con garantía de entretenimiento, suspense y acción, mucha acción, sangre y venganza. La elíptica escena de la decapitación es de lo mejor que se ha visto en cine.

Duncan Vizla, conocido como Black Kaisser, un espía inexpresivo, reflexivo y calmado, de cuando la guerra fría y que perdió la sonrisa no sabe dónde ni cuándo, está a punto de jubilarse sin saber que la letra pequeña de su contrato estipula que si fallece antes de la fecha y no tiene herederos declarados el capital que se le adeuda, en su caso algunos millones de euros, se reinvierte en la empresa, la empresa Damocles.

Mads Mikkelsen
Empresa que atraviesa problemas de liquidez y Mr. Blutt, el gerente ejecutivo, está dispuesto a lo que sea para sanear su balance y si no puede ser con un ERE legal será con uno ilegal aunque sea liquidando sus activos.

Para ello cuenta con el Equipo A, un despropósito de comando de gatillo fácil que cree que alguien de edad jubilable forzosamente ha de ser una víctima fácil y todo un ejercito por si fuera menester. Nada más acertado. Y si no vean hasta dónde puede llegar este alter ego de John McClane.

Para gozar.

viernes, 6 de mayo de 2016

Angola de Fabien Nury y Brüno

Angola es el centro penitenciario del Estado de Louisiana del que nadie sale vivo. Angola no pretende la reinserción de quienes delinquieron; pretende su explotación como mano de obra gratis hasta su aniquilación. Angola es donde ha ido a parar Tyler Cross después de ser vendido en el último robo en el que trabajó. Angola es donde debería cumplir veinte años de condena pero el clan siciliano se ha empeñado en que no sean tantos y pretenden matarlo muchísimo antes.

Angola es La Granja porque los presos son el pienso que sirve para engordar a los magnates corruptos que intervienen en la gestión económica de este centro penitenciario.

Y en Angola transcurre esta segunda entrega del heterodoxo Tyler Cross. En un relato crudo con un tempo milimétricamente medido para ir subiendo el clímax y conseguir un desenlace especialmente intenso.

El guión, encarcelado por estar en una prisión, maniobra como puede en el poco espacio que dispone y la inventiva desarrollada para que sintamos esa sensación de claustrofobia al aire libre es demoledora.

El dramatismo de cada viñeta hace palpable el sufrimiento y la desesperación que conviven con cada preso desde la mañana hasta cuando duermen. Sometidos a una dura disciplina y a un trato vejatorio. Sentimientos a los que Tyler Cross parece inmune mientras su mente ejecuta cada movimiento, todo calculado en su estrategia para conseguir lo que se ha propuesto desde que lo atraparan: escapar y vengarse.

Fabien Nury en su línea de poner solo el texto justo ofrece un guión medido y ya se sabe que sus diálogos, de frases cortas y directas, los carga el diablo.

Brüno demuestra su virtuosismo dibujando con esa admirable aparente sencillez de líneas y con la que consigue lanzar contundentes mensajes.

Y Laurence Croix maneja el color con gran habilidad para reforzar no solo los espacios físicos: interiores, zonas de trabajo o paisajes del bayou sino para mostrar que es lo que se siente estando en cada una de esas zonas. Dib-buks no se queda atrás y lo empaqueta todo en una edición con su habitual mimo y gran calidad.

La labor de documentación de los autores (como ya se viera en el primer número: súper exhaustiva) permite no solo dotar al guión y dibujos de referentes que contextualizan perfectamente la historia sino que además son vehículo para canalizar homenajes y guiños que engrandecen la obra presente y a las que hacen referencia.

Esta vez han buceado en películas carcelarias, me vienen a la cabeza escenas sobre todo de Papillon con Steve McQueen, Fuga de Alcatraz con Clint Eastwood y La Leyenda del Indomable con Paul Newman, todas protagonizadas por hombres duros de rostros hieráticos, viviendo situaciones extremas y con un solo objetivo: escapar.

Cubierta original de Angola y cartel del film Hud! 
Y a propósito de Paul Newman otro guiño, uno más de tantos que pueblan las páginas de los cómics de Tyler Cross. La cubierta editada por Dargaud homenajea a la del cartel del film del western Hud!: el más salvaje entre mil. Suponemos que la elección tiene algo que ver con que la temática de Angola y Hud sea de fuerte componente dramático, transcurra en ambiente rural y sus protagonistas sean perdedores.

Tampoco hay que olvidar en el apartado de las referencias a Parker peliculizado y comicanizado a partir de las novelas de Richard Stark (aka Donald Westlake) que sabe mucho de traiciones y de prisiones.

Sin duda alguna Tyler Cross con quien se empatiza inmediatamente pese a su condición de outsider, o precisamente por ella, es ya y con solo dos números publicados un icono y un referente del cómic actual y de la serie negra en especial. Nadie que guste de esa oferta puede dejar de leerlo.

La edición cuenta con un bonus: los dibujos del primer final pensado y que luego fue descartado por el publicado. ¿Cuál prefieren?

Si la primera entrega Río Bravo era muy, muy buena (lean aquí la reseña) esta segunda es mejor.




domingo, 7 de febrero de 2016

Los odiosos ocho de Quentin Tarantino

Cine policíaco de crimen en
habitación cerrada
en clave de western
EEUU, estado de Wyoming, a poco de haber finalizado la Guerra de Secesión.

Invierno. Grandes espacios vacíos llenos de luz amplificada por el blanco de la nieve. Frío y sensación de soledad ante la majestuosidad del inabarcable paisaje; la proximidad de una fuerte ventisca capaz de arrastrar lo que encuentre a su paso preludia la tragedia.

Una diligencia con unos peculiares pasajeros: el cazarecompensas, John Ruth ‘La horca’ (Kurt Russell) y su prisionera Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) a quienes se añade el también cazarecompensas negro y exmayor del ejercito nordista Marquis Warren (Samuel L. Jackson) y el nuevo sheriff de Red Rock Chris Mannix (Walton Goggins) un sudista, va camino de La Mercería de Minnie donde buscar refugio ante la imposibilidad climática de poder llegar al pueblo de Red Rock, su destino.

Y el contrapunto a tanta luz, frío y paisaje: La Mercería de Minnie. Nunca un nombre tan Disney escondió tanto horror. Un espacio cerrado, oscuro ideal para encerrar las miserias humanas, ponerlas a hervir y esperar que exploten.

En La Mercería de Minnie se encuentran con Bob (Demián Bichir) un mejicano que cuida el negocio en ausencia de Minnie y que ha dado acogida, también protegiéndose del tiempo, al vaquero Joe Gage (Michael Madsen), al verdugo de Red Rock Oswaldo Mobray (Tim Roth) y al anciano general sudista Sanford Smithers (Bruce Dern).

Los protagonistas principales de Los odiosos ocho
Los odiosos ocho es una película de personajes. Tan bien dimensionados que llenan por sí solos el argumento, una de las virtudes del director: crear ficción hasta la línea roja de la caricatura a imagen y semejanza de la realidad.

La Mercería es el lugar perfecto con sus espacios diferenciados: despacho, salita de estar, zona de juegos, comedor, cocina, dormitorio a pesar de ser una estancia loft sin tabiques para dar rienda suelta a heterodoxos monólogos, largos y talentosos diálogos y estallidos de violencia como si de un ring todovale se tratara.

Las voces son de denuncia por motivos de raza, de sexo y de condición social, son críticos con los delincuentes y son profundos y trascendentes aunque en el contexto puedan sonar de opereta, pero el director no dice nada para rellenar el silencio, lo dice para lanzar un mensaje.

Una obra de teatro filmada en cinemascope. La sensación de amplitud del visionado en este formato propicia la visión panorámica que da libertad para pasear la vista, incluso en los primeros planos y no sentirse en la sala de estar frente al televisor.

El misterio del crimen en habitación cerrada llevado a su reinvención al ubicarlo en género western. Pero en Tarantino todo es máximo por lo que el concepto crimen es llevado a extremos y su escenificación es tan gore como cabía esperar y desear.

Hay Agatha Christie en el argumento que no se detallará por no entrar en spoilers. Pero haberlo, haylo.

Y una vez más hay todo de Quentin Tarantino, esa mezcla de ilusiones infantiles, recuerdos adolescentes y anhelos juveniles que conforman sus películas y que contextualiza en encuadres de viñetas de cómic, planos de films de serie B, reflexiones filosóficas y disquisiciones existenciales hábilmente combinadas con toques de humor, brillante ironía e imaginativo uso de la violencia.

Quentin Tarantino
Y otra vez la banda sonora. Siempre presente y siempre como un protagonista más, en esta ocasión tiene el honor de contar con el mismísimo Ennio Morricone que podéis oir aquí

Los odiosos ocho supera en número a Los siete magníficos, aunque no guarde otra relación que la lucha por la supervivencia.

Un Tarantino que fiel a sus principios rinde una vez más su homenaje al cine, a su cine: Leone, Hawks, Carpenter, Hitchcock (magnífico McGuffin el de la carta del presidente Lincoln)… no se la pierdan: es novela policíaca.


miércoles, 15 de abril de 2015

Malavita

 Malavita no será una gran película pero es una buena película. De apariencia simple pero de contenido contundente es un reconocido homenaje en clave de parodia al cine negro sobre la mafia, hecho con calidad desde la interpretación, el guión y la dirección que esconde una soterrada sátira que aporte su punto picante al conjunto y mejora el sabor y el aroma de la comida francesa al aderezarla con all'arrabbiata italiana.

Una revisión del cine negro, del clásico cine de todopoderosos gángsters, con un enfoque divertido al centrarse en mostrar su eslabón más débil: las relaciones con la comunidad.

Todo ser humano en sociedad, ya sea tendero, fontanero, ejecutivo o mafioso precisa de ser sociable alguna vez, aunque no le guste o le pese. Las necesidades de la vida diaria convidan a ello. Casi obligan, para ser sinceros.

Y en esas tenemos a una familia que proviene de Brooklin y después de pasar por diversos sitios llega a un chauvinista pueblo de Normandía, en Francia, para instalarse.

Son nómadas: no por vocación, no la tienen; ni por estar acogidos al programa de protección de testigos, que lo están; sino por qué sus impulsos atávicos en forma de chispas provocan incendios donde recalan y eso les obliga a cambiar de lugar de residencia más a menudo de lo que sería aconsejable.

El padre de la familia, un mafioso que vendió a sus colegas para salvar su pellejo y el de su familia, es Robert de Niro (ahora Fred Blake, antes Giovanni Manzoni) que con su interpretación de gangster salda catárticamente cuentas con los papeles que le hicieran famoso como cuando al impulsivo Al Capone de Los intocables había que cogerlo entre varios para que no se liara a puñetazos con Elliot Ness.

En esta ocasión, para regocijo del espectador, nadie detiene sus instintos primarios y ya sea de acto o de mente brinda unas secuencias inolvidables y muy gratificantes de incontinencia violenta para todos quienes aceptan la represión de los impulsos por que no hay otro remedio, pero que a veces desearían poder expandirlos.

Tal vez la más remarcable escena y que encarna ese ambiente paródico a la perfección es la que sucede en una sesión semanal del cine club local.

Michelle Pfeiffer (Maggie) es su esposa. Una dulce mujer de apariencia frágil pero con los impulsos de su marido aunque más contenida, aunque tampoco lo suficiente como para no dejar muestras de su fuerte carácter cada vez que tiene ocasión.

Y lo mismo pasa con sus hijos, Dianna Agron (Belle) y John D’Leo (Warren) que asumen con fría naturalidad su condición de expatriados y se entienden a las mil maravillas con sus nuevos compañeros de instituto aunque para ello deban aplicar ciertas medidas punitivas.


Todos personajes de comportamiento patibulario al que sin embargo salva aquello de que el mundo los hizo y los sigue haciendo tal como son. Simpáticos granujas.

Tommy Lee Jones (Robert Stansfield) es su supervisor, el encargado de su protección oficial, rememorando también sus papeles como agente especial del FBI, le da ese punto de seriedad a sus apariciones imprescindible para hacer reír. Como solo saben hacer los buenos humoristas.

Todos los actos de violencia cotidiana que se suceden sin descanso, todos los despropósitos que Luc Besson (director y guionista de la película) hace acontecer en ese bello entorno pueblerino de Normandía, chauvinista donde los haya, otra sátira más, no son sino unos aperitivos, un antipasti, una anticipación de un final glorioso que se supone y se espera con deleite y que consigue no decepcionar en absoluto.

Luc Besson saca petróleo de una historia sencilla que se crece con las interpretaciones (no en balde los actores/actrices son quienes son) y con sus habilidosas mise en scene que pasan de pensamientos a obras creando un clima de suspense cada vez que se suceden acontecimientos que mantienen en vilo la atención en su visionado.

Por la gloria, más pasada que actual, de sus actores y su título se podría pensar en un pastiche alimenticio. Y nada más lejos de la realidad.

Resulta una parodia cariñosa aunque aúne tópicos y precisamente es por el modo en que los presenta y en como se burla de ellos que resulta tan entrañable. Sin olvidar que todas sus escenas están repletas de un corrosivo humor negro y que resultan estar bien acompañadas por una sonora banda musical.

viernes, 2 de enero de 2015

The Wizard of gore, El mago del horror, de Jeremy Kasten

¿Y si el truco fuese el mago?

La actuación de un mago en un número de grandes efectos de escenario ha de estar perfectamente planificada, tanto en su parte mecánica, de gestos y movimientos, como en su parte comunicacional, con una oratoria comprensible y convincente.

Todo con un solo objetivo: provocar un nivel de tensión in crescendo y facilitar al espectador las claves para que suponga que sabe lo que va a pasar, buscando su complicidad, dándole pábulo a creer que es más listo que el mago, para luego sorprenderlo con un giro que no espera y aprovechar ese momento de desconcierto para aparentar un fallo, ser sorprendido en un renuncio, que de nuevo suba el ego del espectador para terminar hundiendo sus mermadas barreras de resistencia con un final apoteósico y, aparentemente, imposible e inexplicable.

El espectador viaja en una montaña rusa de sensaciones contradictorias que le mantienen atado a la silla sin parpadear y casi sin respirar porque no quiere perderse nada de lo que está ocurriendo. Y porque necesita comprender aunque sepa que no lo conseguirá. O no del todo.

Montag el Magnífico es el mago protagonista de este film. Un psycothriller, The Wizard of gore, El mago del horror, que sigue el manual a la perfección y provoca al público hasta más allá de lo que permite el buen gusto.

Ofrece un espectáculo de sangre y vísceras, una performance gore que no puede dejar indiferente y en cada actuación cosecha gritos de horror y pánico y gritos de entusiasmo y celebración a partes iguales de un público asqueado y maravillado también a partes iguales.

Una de las muchas bellezas de la magia es que la ilusión puede comenzar mucho antes de que la audiencia sepa que va a ser engañada”

The Wizard of Gore, film de 2007 absolutamente gore, como su titulo explicita, y de serie B, dirigido por  Jeremy Kasten e interpretado por Edmund Ed Bigelow (Kip Pardue), su novia Maggie (Bijou Phillips) y Montag el Magnífico (Crispin Glover) es un remake del film del mismo título de 1970 dirigido por Herschell Gordon Lewis, mucho más oscuro y siniestro que su antecesor y que no deja indiferente si se consigue aguantar hasta el final.

El inicio del film es ya un claro anticipo de lo que presagia, y a medida en que como espectadores de la película consigamos trascender a espectadores del espectáculo de magia viviremos en primera persona la sensación de ser una suicide girl (chicas jóvenes y guapas elegidas al azar entre el público por Montag el Magnífico para ser víctimas, más que colaboradoras, de sus tejemanejes vejatorios, las desnuda en el escenario, y trucos de ilusionismo, psicodelia e hipnosis) con toda la carga de sensualidad, sexualidad y horror que atesora.

La aparición de cadáveres va a propiciar que Ed Bigelow investigue la posible relación entre los asesinatos imaginarios del espectáculo de magia y los asesinatos reales.

En ese punto la película adquiere tintes de novela negra y la investigación de Ed traspasa el concepto de obsesión al desplazar cualquier atisbo de vida cotidiana para entregarse en cuerpo y alma a descubrir quien está detrás de los asesinatos sin ser consciente que está mezclando realidad y fantasía y que el precio puede suponer perder la razón.

Film turbulento de interesante guión y factura y buena interpretación que destila momentos brillantes sobre todo conseguidos con un ambiente de confusión visual (hay mucho movimiento de cámara y asiduo empleo de ángulos bajos y oblicuos) y auditiva (mucho ruido de fondo para aprovechar al máximo las distorsiones del efecto Doppler) para provocar un efecto de irrealidad y ensueño con el que se pretende, y consigue, favorecer la transición de espectador externo (del film) a espectador interno (del espectáculo), como comentábamos anteriormente.

Una experiencia que acaba confundiendo al espectador por no poder delimitar lo que es truco y lo que no, en todo el film. El mago finge, el espectador puede creer sus mentiras y la complicidad admitida de engaño transforma delirios en realidades.

¿Y si el mago fuese el truco?

Esta reseña se publica conjuntamente en el blog Magicatessen, en su sección crossover, en un entente para favorecer la divulgación de la cultura y tender puentes entre la magia y otras secciones.

lunes, 1 de diciembre de 2014

Londres después de medianoche de Augusto Cruz Gacía-Mora

Es una novela que es una película 
La novela Londres después de medianoche es la historia de una búsqueda, donde es casi tan importante el viaje como el destino. El proceso como el desenlace.

Una búsqueda auspiciada por la ambición, por el afán de coleccionismo, donde los encuentros y las ausencias a los que las pistas y los datos conducen resultan tan estimulantes que el deseo es que se sigan sucediendo y no se acabe de buscar.

Toda la búsqueda está envuelta de brumas del pasado con personas rodeadas de un halo ectoplasmático que permite dudar de si son personas vivas o solo recuerdos encarnados en cuerpos de marioneta.

El misterio conduce la narración por recovecos de la memoria confusos y dubitativos y lo desconocido se apropia de la eventual realidad que supone el tiempo presente sumido en su máximo dramatismo.

El tiempo es el enemigo. El tiempo que destruye los materiales perecederos, ya sean substancias químicas por contacto con agentes incompatibles o células cerebrales acorraladas por asesinos invisibles y eliminadas una a una con el Alzheimer como arma.

A McKenzie, un exagente del FBI, le encargan la misión de recuperar una copia del film Londres después de medianoche.

Fotograma del film London after midnight

Una película real de cine mudo London after midnight (en España se tituló La casa del horror protagonizada por el mito Lon Chaney y dirigida por Tod Browning en 1927.

Algo aparentemente posible si no fuera porqué podría no existir ninguna, a tenor de los datos disponibles fruto de otras investigaciones anteriores que no dieron frutos.

Londres después de medianoche arrastra además la leyenda de ser un film maldito y aquellos que se le acercan sufren sus consecuencias. Cuando se busca una película, la atmósfera cinematográfica puede impregnar de tal modo que se corre el riesgo de confundir la realidad con un rodaje.

Forrest J. Ackermna y su casa museo
Forrest J. Ackerman es quien está detrás de la búsqueda, un Ackerman, cinéfilo y coleccionista, que efectúa un cameo de su verdadero yo (1916-2008), preciso y sentido, y que en las postrimerías de su vida necesita visionar el film como el coleccionista que necesita pegar el último cromo en el álbum.

Para completar la colección. Para justificar toda una vida.

La evolución lineal de la trama se rompe en determinados momentos en los que gira sobre si misma, como una peonza, frenando el avance, abriendo posibles subtramas a las que no da continuidad, sobre reflexiones y recuerdos de McKenzie, como cuando su familia, el asesinato de Kennedy, su anterior cargo en el FBI…

Y termina de romper su ortodoxo procedimiento de investigación policial, hacia la mitad más o menos de la obra, para que desde pasajes de razonamiento frío y lógico de la realidad se acceda a otros llenos de emotividad visceral de una ficción casi lisérgica.

Tal como es a veces la vida, pero tan poco habitual como alternar bocado de carne con otro de pescado.

Augusto Cruz García-Mora
Augusto Cruz García-Mora ha demostrado ambición y desparpajo para armar esta novela. Mezcla de novela policíaca y delirio cinematográfico. Con toques de aventura y salpimentada de fantasía onírica.

Resulta una lectura curiosa. Tal vez los amantes del cine mudo encuentren en sus páginas cierta complicidad emotiva y por ello la valoren más y mejor. Tal vez encuentren un objeto para su colección.





martes, 10 de diciembre de 2013

Fargo de Joel y Ethan Coen

Fargo, el magistral film de los hermanos Coen va a convertirse en el 2014 en una serie de televisión, diecisiete años después de su estreno en el cine en 1996.

Esta adaptación para el canal FX sería con rodaje en Canadá y se anuncia como muy fiel a la película. La pregunta surge casi sin pensárselo: ¿era necesario?

Entre lo bueno que tiene el film, que es todo, incluso la presentación de los títulos de crédito, está precisamente su duración: solo 97 minutos. En estos tiempos en que parece querer justificarse el pvp con cantidad (novelas cada vez más abultadas de páginas que no de contenido, películas de más de dos horas con escenas insustanciales alargadas innecesariamente y con la versión del director en su salida en DVD) ¿se puede evolucionar de un film conciso, medido con precisión, hacia una serie de 600 minutos, 10 episodios de 60 minutos, con garantía de calidad?

Conocida es la situación de crisis de las grandes productoras y de como alargan sus éxitos convirtiéndolos en trilogías o canibalizando series de tv o vicerversa, pero estirar Fargo como si fuera una goma elástica puede conllevar el riesgo de que se rompa o se deforme. Creatividad, reto, experimentación con el medio... al parecer incluso en justificaciones ahorran costes.

Claro que también piensan incorporar nuevos personajes y nuevas tramas y subtramas; pero para ello mejor un nuevo guión original y dejar a Fargo que envejezca a su ritmo, ¿no?

Fargo es el título del film que transcurre en Minessota y Dakota del Norte, con un rtimo de acción muy trepidante conseguido admirablemente sin el recurso fácil que supone dar un acelerón por aquí y otro por allá. Su guión es una versión muy libre de unos hechos reales de finales de 1986 que se inician con la desaparición de una hogareña esposa, Helle Crafts, y acaban... muy mal.

Fargo es una película blanca por fuera, manto de nieve y dulce comportamiento familiar de Marge, la embarazadísima policía que lleva a cabo la investigación criminal; y negra, negrísima por dentro: con secuestro, brutales asesinatos e inmisericorde descuartizamiento, todo sin despeinarse.

Todo empieza con las dificultades ecónomicas del gerente de un concesionario de venta de coches usados, Jerry Lundergaard, casado con Jean, y padre de un hijo, Scotty, que decide contratar a un par de ex-convictos, supuestos profesionales, para que secuestren a su mujer y con el dinero del rescate pagarles el trabajo y con lo que sobre poder empezar un negocio propio: la creación de un gran aparcamiento, que se augura próspero e independiente de la tutela de su milonario suegro y jefe actual.

Para su desgracia nada va a salir como estaba previsto y se cumple el axioma pesimista de que si algo empieza mal acaba peor. La torpeza de los delincuentes, que de profesionales no tienen nada: el uno, Gaear, psicópata descerebrado de métodos expeditivos y gatillo fácil y el otro, Carl, teórico cerebro del duo, manojo de nervios e incapaz de controlar los impulsos de su compañero, provoca que la situación degenere en caos.

Empiezan las muertes y los asesinos confían en que estas no se relacionen con el secuestro pero no cuentan con la intuición de Marge y su peculiar forma de llevar una investigación.

Marge
Marge es la xheriff local, una chica de pueblo, con estudios de nivel medio, sensata, honesta, educada e inteligente que no tiene cursillos de Quantico en su currículum pero si grandes dosis de sentido común, practicidad y fijación por los detalles. Con una envidiable capacidad, aún en su estado de más de 8 meses de embarazo, con sus inherentes dolores de espalda, pesadez de piernas, hambre caprichosa y nauseas matutinas, para hacerse cargo de su casa, de su marido y desempeñar su cargo de policía a la perfección.

Cuando Marge se dirige a alguien, ya sea en la conversación que sea, lo hace con cariño y un tono musical que la hace ser la madre que se anuncia; es como si tuviera interiorizada una maestra dirigiendose a niños de poca edad. Lo que acentúa el contraste con su inevitable visión de cadáveres y persecución de violentos, y le da al film el mismo contrapunto que conforma la mezcla de nieve y sangre.

La nieve de Fargo produce el estado de ánimo de paz y sogiego necesarios para estimular el
contraste con la sangre y la violencia. El blanco de la nieve con el rojo de la sangre y con el negro de la violencia. El blanco de la nieve sugiere silencio y cautiva la mirada.

La película mantiene con elegancia el difícil equilibrio entre guión de sangrienta y dura novela negra con el de comedia de humor negro con irrupciones gore sin que el conjunto desmerezca ni se resienta.

La nieve de Fargo inspiró a este blog su nieve perpetua que cae lenta y silenciosamente desde la cabecera en pequeños copos mecidos por una imperceptible brisa

Marge consigue que su sola presencia genere simpatía y sonrisa aún cuando no se ha relajado la piel de gallina de la violenta escena anterior. Suaviza el tono negro del film sin rebajar para nada el nivel de tensión. Algo muy difícil de conseguir.

Rodada de forma fresca y descarada, en un estilo que combina el documental con el cine de autor (los ángulos de los planos son originales y para nada habituales) mantiene una línea de suspense creciente, sin que el film se acelere en ningún momento, que junto con la magnifica interpretación de todos sus protagonistas la han convertido en una cinta de culto. Y merece la reputación.

Inolvidable una vez vista.


Coen Bros.
La ficha técnica de la película se la reparten Ethan y Joel Coen en el guión y dirección; y en los papeles protagonistas están Frances MacDormand (Marge Gunderson), Peter Stormare (Gaear Grimsrud), Steve Buscemi (Carl Showalter), Kristin Rudrud (Jean Lundergaard) y William H. Macy (Jerry Lundergaard); a destacar, por curioso, el cameo de José Feliciano.

lunes, 1 de octubre de 2012

Defective Detective

Blog Interrobang cumple dos años y lo celebra ofreciendo un divertido cortometraje animado de un gafe pero entrañable detective.

Gracias a todos los seguidores fieles, a los esporádicos, a los visitantes accidentales, a los comentaristas habituales, a los puntuales y a los anónimos.

No hay dos sin tres. Dentro de nada soplamos tres velas. Juntos.


Con todos ustedes..... Defective Detective
 

miércoles, 4 de julio de 2012

Sufferrosa

Sufferrosa, ¿quien es Rosa Von Braun?

Tocaba un post sobre Sufferrosa, ese clásico moderno, una película neo-noir interactiva y, en consecuencia y por definición: no lineal. La interactividad dota al espectador de la capacidad de decidir hacia donde quiere que evolucione el film.

Es un experimento que combina la narración cinematográfica y la programación Web, y cuyo resultado es una película con componenda de juego que picotea del cine negro, del de la nouvelle vague, de la estética new wave y de los video clips televisivos para configurar un universo propio.


Sufferrosa se sitúa en un futuro de cronología imprecisa en donde la vejez es el enemigo a combatir. Todo el dinero acumulado es poco para pagar el precio. La reina malvada de Blancanieves ya lo anticipaba al no pararse ante nada por preservar su juventud y belleza. Puede parecer un cuento, pero en cualquier caso es una posibilidad escrita en uno de los muchos futuros posibles y alternativos que el caos elegirá para quien le toque vivirlo. Un futuro fascinante, complejo, tenebroso y enormemente inquietante.

El detective Iván Johnson está tras la pista de Rosa Braun, una joven desaparecida, y su investigación lo lleva hasta el profesor Carlos Von Braun que se dedica a experimentar y aplicar tratamientos de rejuvenecimiento a mujeres. Von Braun se siente amenazado por el detective y consigue drogarlo para llevarlo a su clínica en Miranda Island. Unos días después Iván Johnson despierta encerrado en una celda....

Y a partir de aquí el juego o la interacción como prefieran. En primera persona, angustioso. Con múltiples puntos de entrada y niveles donde elegir, con opciones que interpretar para seguir avanzando. Interactivo hasta el punto de poder mover los dedos de una mano. Interactivo hasta ser una experiencia personal intransferible ya que las escenas cambian cada vez que se entra por lo que es casi imposible que dos jugadores puedan vivir las mismas situaciones. Paranoico. Genial.

Por Suferrosa se mueven 25 actores por 110 escenas desarrolladas en 20 escenarios distintos (se acompaña un mapa) en unos decorados coloreados y musicados para conseguir la atmósfera opresiva que acompaña en todo momento. Y con 3 posibles finales para ser rejugable.

Es un thriller con una segunda lectura, la que encumbrando la belleza y la lozanía de la juventud sirve para reflexionar sobre lo efímero de la vida y lo pronto que se llega a la vejez y se alcanza el rechazo social. Todo escrito en las notas de su banda sonora, en la que suenan Sonic Youth, Glass Candy, Exploding Star Orchestra,Tarwater y más.

Marcinkowski  reconoce, entre múltiples fuentes de inspiración, un rendido homenaje al film Alphaville de Jean Luc Godard (incluso los nombres de los protagonistas tienen su correspondencia) y también a los films El Manuscrito encontrado en Zaragoza, Dark Passage, Beso Mortal y La mujer del lago; se inspira también en el albúm Outside de David Bowie  y en las novelas de Vernon Sullivan y Boris Vian. El universo de Dawid Marcinkowski.

Sufferrosa es una genialidad, un loable proyecto sin ánimo de lucro, arte al alcance de todos, y a pesar de tener más de 6 años desde su lanzamiento (lo que en el mundo web es como estar en la edad media) mantiene su lozanía por lo que suponemos que también ha recibido tratamiento en la clínica de Von Braun.


Entren en ese universo con una cuerda atada a la cintura y amarren el otro cabo a algo sólido de su presente real. Tal vez quieran volver a toda prisa. Toda precaución es poca. Nunca se sabe.

Esta es la puerta: Sufferrosa, ¿quien es Rosa Von Braun?


Probably our generation is not endangered by such experiments